O prêmio MIPA (Musikmesse International Press Award) equivale ao ‘Grammy’ do setor de instrumentos musicais. Todos os anos, em decorrência da feira Musikmesse, jornalistas de mais de 100 revistas internacionais escolhem os melhores instrumentos musicais e equipamentos de áudio profissional.
O grande ganhador
Neste ano os amplificadores MV50 foram os ganhadores na categoria melhor amplificador.
Se você ainda conhece o MV50, não se assuste pelo tamanho, na verdade pela falta de tamanho, porque este pequeno amp entrega 50 watts de potência, também podendo ser usado com gabinetes em grandes palcos.
Recursos profissionais
Um recurso importante do MV50 é a sua saída de linha (line/headphone), permitindo que o sinal de guitarra seja enviado para um sistema de PA, mesa de som, interface de áudio ou para fones de ouvido.
O time de engenharia VOX consultou inúmeros engenheiros de gravação para projetar um circuito de simulação de gabinete que torna possível ao músico amplificar, gravar ou praticar com sonoridade de estúdio profissional em qualquer lugar ou a qualquer momento.
Praticidade
Somado a isso está a praticidade, ele pesa apenas 540 gramas e 13,5 cm de largura, literalmente cabendo na palma de sua mão ou como parte da sua pedalboard. Levar o seu som de amp para qualquer lugar nunca foi tão fácil.
Pesquisa + Desenvolvimento + Tradição = MV50
A soma de potência, qualidade de áudio e tamanho reduzido é resultado de muita pesquisa e desenvolvimento de novas tecnologias, sendo a principal delas a válvula Nutube. Neste vídeo, Fumio Mieda, criador da tecnologia, fala da criação e das futuras aplicações da Nutube.
Timbres para todos os estilos
A série é composta pelos modelos MV50-AC, MV50-Clean e MV50-ROCK.
O VOX MV50-AC oferece a sonoridade dos lendários amplificadores Vox, o MV50-Clean oferece a sonoridade dos cultuados amplificadores americanos dos anos 60 e o MV50-ROCK oferece a sonoridade dos amplificadores britânicos.
Amplifique seu som de violão com o Zoom AC-2 Acoustic Creator. O AC-2 é um DI (direct box) que tem tudo o quê você precisa para oferecer um timbre de violão natural no palco ou estúdio. O AC-2 restaura automaticamente o timbre perdido pelos captadores acústicas, de modo que seu som é sempre exuberante, ressonante e fiel ao instrumento que você tem na mão.
Restaure seu timbre acústico
Com 16 presets de violão, o AC-2 traz as características sonoras de uma variedade de modelos e corpos de violão. Você pode escolher entre dreadnought, cordas de nylon, 12 cordas, entre outros.
Basta selecionar o seu violão escolhido e, em seguida, escolher o modo de captador piezo ou magnético. A partir daí, o AC-2 está pronto para reproduzir e amplificar o timbre de violão com total precisão.
Características DI essenciais
O AC-2 possui um pré-amplificador de alta qualidade que aumenta o seu sinal e ajuda a restaurar o seu verdadeiro som acústico. Adicione o seu reverberação com som natural para aumentar a profundidade e alcance do seu violão, e atinja o timbre desejado com ajustes fáceis do EQ de 3 bandas.
Controle de volume
O botão Volume do AC-2 controla automaticamente o ganho de entrada e o nível de saída do pré-amplificador, evitando a adivinhação do ajuste dos níveis de som para coincidir. É tudo o que você precisa quando está tocando no palco, uma configuração simples para o controle de volume.
Corte o Feedback automaticamente
O AC-2 também está equipado com um botão anti-feedback que localiza e elimina automaticamente as freqüências problemáticas – essenciais para apresentações ao vivo.
Balanceado nos lugares certos
A saída XLR balanceada do AC-2 (com terra e controle pré/pós) permite conectar-se facilmente a qualquer placa de PA para mixagem ou console de estúdio. Ele também inclui duas saídas de ¼” para conexão mono ou estéreo em amplificadores, fones de ouvido ou interfaces de áudio.
Afine o seu violão
O afinador integrado do AC-2 com seu grande visor LED permite que você veja facilmente quando você está afinado.
O som único de um 12 cordas
Não há dúvida sobre o som lindo e brilhante de um violão de 12 cordas. Com o AC-2, seu violão manterá o seu timbre natural e cheio sempre que estiver no palco.
Até 9 dB de ganho adicional
Você também pode adicionar 9dB de ganho com um toque usando a função Boost do AC-2, permitindo que você mude de strumming para finger-picking sem nunca perder uma nota.
Fontes de energia
Uma vez que o AC-2 foi concebido para melhorar os seus desempenhos acústicos em todos os ambientes, oferece uma variedade de opções de energia. Duas pilhas AA fornecem até três horas de uso contínuo. Alternativamente, você pode usar o adaptador de Zoom AD-16 AC para alimentação, ou a porta micro USB para alimentar o AC-2 no seu computador.
Resumo dos recursos
16 presets com tipos e corpos de violão para uma reprodução precisa de timbre
Entrada de ¼”
Saída XLR balanceada
Duas saídas de ¼” para conexão mono ou estéreo em amplificadores, fones de ouvido e interfaces de áudio
Efeito reverb
Pré-amp de alta qualidade
Seleção de captadores piezo/magnético
Equalizador de 3 bandas
Entrada e saída de ganho/sensibilidade ajustáveis através de um único botão de volume (patente pendente)
Controle anti-feedback
Chave de Boost para até 9dB de ganho adicional
Afinador integrado cromático com LED
Conexão USB para atualizações de firmware
Dois conectores de saída para conexão com amplicadores de guitarra e sistemas de PA mono ou estéreo
Três opções de fonte de energia: 2 pilhas AA, adaptador Zoom AD-16 incluso (9V DC in) ou via porta micro USB
Acessórios
Manual de operações
Adaptador Zoom AD-16 AC
Especificações
Tipos de violão: 16 tipos
Frequência de amostragem: 44,1 kHz
Conversão A/D: 24-bit com 128x oversampling
Conversão D/A: 24-bit com 128x oversampling
Processador de sinal: 32-bit
Características da frequência: 20 – 20 kHz +1 dB, -3 dB (com carga de 10 kΩ)
Entradas
GUITAR IN: Conector padrão mono / Nível de entrada: -20 dBu / Impedância de entrada (linha): 10
Saídas
1 / MONO / PHONES: Conector padrão estéreo (combinado linha/fones de ouvido) / Nível máximo de saída: Linha +7 dBu (com impedância de carga de saída de 10 kΩ ou mais) / Fones de ouvido: 8 mW + 8 mW (com carga de 32Ω)
2: Conector padrão mono / Nível máximo de saída: Linha +7 dBu (com impedância de carga de saída de 10 kΩ ou mais)
O sucessor do aclamado KROSS apresenta importantes recursos e adições que são encontrados somente em workstations de ponta.
A KORG se encarregou de manter a portabilidade, o tamanho compacto e o poder sonoro comum em nossos equipamentos, porém com um design moderno e recursos que o colocam no topo das workstations de entrada.
Com um total de mais de 1000 presets pré-carregados, memória PCM expandida e pad sampler, o KROSS 2 se torna uma versátil plataforma construída e planejada para dar total liberdade criativa a músicos e produtores.
RECURSOS
Uma rica variedade de presets
O KROSS 2 expande a polifonia de 80 para 120 vozes e aumenta o número de programas internos de 809 para 1075. Inclui pianos acústicos e elétricos em múltiplas camadas, sons encorpados de cordas e kits de bateria.
Memória de expandida
O KROSS 2 proporciona agora 128 MB de memória de expansão PCM integrada. Selecionando a partir de bibliotecas opcionais que serão lançadas a seguir, você pode expandir os sons internos do KROSS 2 para suas necessidades de performance, estilo musical ou situação.
Funcionalidade de sampling e pad sampler
Como primeiro em sua classe, o KROSS 2 é equipado com uma exclusiva função de sampling que oferece 16 pads para tocar. Você pode gravar a entrada do conector LINE IN e endereçar uma amostra em estéreo de até 14 segundos para cada pad. Arquivos de áudio longos de um cartão SD também podem ser endereçados a estes pads.
Veja a opinião do artista KORG Fabio Laguna sobre o KROSS2.
Uma série de outros recursos estão disponíveis no KROSS2, o tornando um equipamento único em sua faixa de preço, como:
Mecanismo de som EDS-i
Efeitos com qualidade de estúdio herdado dos sintetizadores profissionais da KORG.
Acesso direto aos sons e funcionalidades
O painel do KROSS 2 permite o acesso rápido aos sons e funções.
Seção de controle em tempo real
Controle em tempo real sons e efeitos, edição de parâmetros de programas, ajustes de vocoder e andamento do arpeggiator e do sequencer.
Função Favorites
Ideal para tocar ao vivo com acesso rápido a um conjunto de programas e combinações. São 128 localidades de favoritos, o dobro da primeira geração do KROSS.
Sobreposições e divisões de sons com rapidez
Ativar a função Layer/Split está agora mais fácil graças ao botão Quick Layer/Split.
Seletor de Categoria
Escolha o tipo geral de som, como piano ou órgão e então realize sua seleção de forma rápida e eficiente.
Corpo leve e compacto e portabilidade
O modelo de 61 teclas pesa apenas 3.8 kg e de 88 teclas 12.3 kg e ambos operam através de pilhas AA.
Gravador/reprodutor de áudio
O gravador/reprodutor de áudio integrado permite gravar sua performance no KROSS 2, ou sobrepor uma fonte externa de áudio como vocais.
Recursos para produção musical
Sequencer MIDI de 16 pistas, Step Sequencer, Drum Track e Arpeggiator
Conexão direta para microfone
Um conector MIC IN de 1/4″ permite conectar diretamente um microfone, para vocais de performance e vocoder.
Interface de áudio USB
Além da funcionalidade como interface MIDI USB, a interface de áudio USB foi adicionada, permitindo conexão com computadores Mac ou Windows.
A pegada de um piano acústico, no palco, no estúdio ou na sua sala.
Um piano elegante sem falantes, ideal para estudo, gravações ou para performances ao vivo.
A KORG é mundialmente consolidada pelos synths, workstations e arranjadores e a cada lançamento, nossos pianos digitais vêm se tornando padrão para músicos que procuram instrumentos de qualidade premium para estudo, gravação ou palco.
A série CONCERT foi criada para oferecer a mesma experiência de performance de um piano acústico em uma sala de concertos, através do som, o toque e a experiência musical sem precedentes.
O KORG D1 é um teclado que reproduz a pegada de um piano acústico e ainda assim é portátil. Com seu mecanismo de teclado desenvolvido pela KORG e uma rica variedade de 30 sons que brilham no palco, sendo perfeito para estudo diário, gravações ou para performances ao vivo.
Mecanismo de teclado RH3 desenvolvido no Japão.
O D1 apresenta um mecanismo de teclado Real Weighted Hammer Action (RH3) que reproduz o toque de um piano de concerto, onde as notas graves são mais pesadas e a ação torna-se mais leve ao tocar em direção às notas agudas.
Um instrumento compacto que você pode levar para qualquer lugar.
A construção do chassi foi repensada com uma nova estrutura e novo design que deixam o corpo mais elegante e compacto.
Trinta sons de alta qualidade e tecnologia de ponta que reproduz fielmente a ressonância de um piano de concerto.
O D1 contém um total de 30 sons ricamente expressivos que incluem não somente uma variedade de sons de piano acústico para cobrir gêneros como música clássica, jazz e pop, mas também sons de piano elétrico, órgão e clavinet que são muito úteis no palco, ou até mesmo sons como vibrafone, violão e cordas.
O D1 apresenta funcionalidade que reproduz o som de um piano de concerto, oferecendo um som natural e uma performance de ótima pegada.
Funções convenientes que você espera de um piano digital.
– Função metrônomo
– Modo Layer para sobreposição de dois sons
– Função Touch Control para cinco ajustes de dinâmica: light, standard, heavy, stable, fixed
– Efeitos de alta qualidade especificados com cada programa: brilliance, reverb e chorus
Além dos conectores LINE OUT de tamanho padrão, conectores MIDI IN/OUT também estão disponíveis.
O D1 oferece os conectores para conexão externa que você precisa no palco. Os conectores LINE OUT em tamanho padrão podem ser conectados diretamente a falantes amplificados ou equipamentos de gravação. Conectores MIDI IN/OUT também estão disponíveis. Você pode conectar estes ao seu computador e usar o D1 como teclado MIDI ou módulo de sons de piano.
Suporte para partituras e pedal dedicado para palco também incluídos.
Um suporte para partituras indispensável para performance em palco está incluído e pode ser facilmente fixado ao D1. Também incluído está um pedal Damper de tamanho compacto para portabilidade conveniente.
“ISTO É PARA TODOS” – JIMI HENDRIX, 1967 (MOMENTOS ANTES DE QUEIMAR SUA GUITARRA)
Jimi Hendrix conquistou o mundo com sua incrível performance no Monterey Pop Festival, onde ele colocou fogo em sua icônica Stratocaster pintada à mão. Destruída no ápice de sua apresentação, esta guitarra sobrevive apenas em fotos e filmes, mas para celebrar o 50º aniversário deste marco na história da música, criamos a edição limitada Jimi Hendrix Monterey Stratocaster.
RECURSOS
PINTURA INSPIRADA NA ARTE CRIADA POR HENDRIX
A pintura do corpo é uma homenagem a pintura feita a mão por Hendrix, dando aos fãs, músicos e colecionadores a reedição de um clássico da música.
CAPTADORES FENDER SINGLE-COIL
Três captadores stratocaster single-coil entregam o clássico e único timbre Stratocaster.
ASSINATURA NO HEADSTOCK
A Monterey Stratocaster apresenta a assinatura de Hendrix na parte traseira do headstock.
NECK PLATE CUSTOMIZADO
O neck plate da Monterey Stratocaster vem gravado com a logomarca “AUTHENTIC HENDRIX”.
MONTEREY POP FESTIVAL 1967
É incrível que uma guitarra que foi tocada apenas uma vez seja uma das mais reconhecidas da história, mas esse é exatamente o caso da Stratocaster que Jimi Hendrix sacrificou no Monterey Pop Festival de 1967.
Hendrix pintou à mão um desenho floral usando esmalte de unhas na noite anterior à lendária apresentação que teve seu encerramento com a música, “Wild Thing”.
DEPOIS DE CANTAR AS ÚLTIMAS PALAVRAS, HENDRIX COLOCOU PRA FORA SEU ARSENAL SONORO E TODA MAGIA DE SUAS BOMBÁSTICAS APRESENTAÇÕES – TOCANDO COM A GUITARRA NAS COSTAS, COM SEUS DENTES E ARRANCANDO FEEDBACKS EXTREMOS AO RASPAR A GUITARRA NO GABINETES DE SEUS AMPLIFICADORES.
O GOLPE FINAL
“Isso é para todos”, disse ele pouco antes de espirrar um líquido inflamável na guitarra. Então Jimi se abaixa para beijar o instrumento e atear fogo na sua Strato. Como um discípulo em adoração em um altar, Hendrix se ajoelhou diante da guitarra em chamas enquanto a plateia olhava boquiaberta. Embora apenas um fragmento dessa história exista hoje, a Fender se encarregou de recriar meticulosamente a Monterey Strat de Jimi Hendrix, celebrando o 50º aniversário desta noite histórica, que foi criada originalmente com esmalte de unhas e gravado com o fogo na memória dos fãs ao redor do mundo.
Saiba mais sobre a SIG SERIES JIMI HENDRIX STRATOCASTER CLICANDO AQUI
De Stevie Ray Vaughan a Eric Clapton, aqui estão alguns guitarristas que colocaram o modelo mais famoso de guitarra no mapa.
Quem poderia pensar que um instrumento projetado há mais de 60 anos poderia passar praticamente inalterado e ainda ser tão icônico nos dias de hoje? Por mais improvável que isso possa parecer, esse é o caso da Fender Stratocaster, que estreou em 1954.
Linhas da era espacial, contornos suaves, dois cutways e um conjunto de três captadores tornaram essa inovação diferente de tudo que alguém já havia visto.
E o som… a Strato era tão versátil que se tornou a escolha para artistas do rock, blues e country, e até mesmo metal e jazz.
Inúmeros músicos famosos foram associados à Strato ao longo de sua ilustre história. Aqui estão 15 “Strateiros” que ajudaram a tornar esta guitarra um ícone da música.
Jeff Beck
Conhecido como um verdadeiro virtuoso, Jeff Beck é incrivelmente inovador; navegando entre o blues, rock, metal, jazz e até mesmo música eletrônica ao longo de sua história. Beck ganhou popularidade com os Yardbirds, o grupo que também trouxe ao mundo Eric Clapton e Jimmy Page, mas também obteve sucesso solo com o Jeff Beck Group e aparições em álbuns de Mick Jagger, Morrissey, Jon Bon Jovi, Roger Waters e Stevie Wonder para citar apenas alguns.
A versatilidade de Jeff Beck é o que o diferencia. Sua capacidade de criar sons de guitarra com apenas as mãos e uma ponte com tremolo é inigualável. E ele é incomparável em criar novos e distintos sons de sua guitarra, muitas vezes fazendo com que os ouvintes se perguntem qual instrumento ele está realmente tocando.
Ritchie Blackmore
Ritchie Blackmore ajudou a definir o heavy metal com a banda Deep Purple e, mais tarde, Rainbow com o grande Ronnie James Dio. Com sua Stratocaster preta de 1968, ele criou o poderoso riff de “Smoke on the Water”, um dos riffs mais memoráveis de todos os tempos.
Blackmore é um músico singular e pioneiro da junção do “neoclássico” ao rock and roll. Ele foi um dos primeiros guitarristas de rock a usar o fretboard escalopado (no qual a madeira entre os trastes é escavada em uma forma côncava), e ele frequentemente deixava de usar palheta.
Ultimamente, Blackmore é um destaque na cena de folk rock, o qual seu grupo, o Blackmore’s Night, lançou nove álbuns de estúdio desde sua formação em 1997. E mesmo que o folk seja tipicamente acústico, a coleção de Strats de Blackmore continua a acompanhá-lo no palco.
Eric Clapton
Verdadeiramente um músico versátil, Clapton tocou em vários estilos ao longo de sua carreira. Clapton criou um padrão para o blues moderno e rock através de seus trabalhos com John Mayall’s Bluesbreakers e Cream. Suas habilidades de ritmo eram de alto nível, e seus solos pareciam de outro mundo.
Clapton pode tocar rápido quando sola, alternando entre escalas pentatônicas maiores e menores, mas sua capacidade de solar com poucas notas é incomparável.
No início dos anos 70, Clapton comprou seis Stratocasters por cerca de US $ 100 cada, dando uma a George Harrison, uma a Pete Townshend e uma a Steve Winwood. De partes das outras três, “Slowhand” criou sua mais famosa Strato, a “Blackie”, uma mistura de modelos de 1956 e 1957 que esteve com ele no palco e no estúdio pelos próximos 12 anos.
Não podemos esquecer da “Brownie”, a Strato 2-Tone Sunburst que ouvimos nas notas de abertura de “Layla”, clássico de Derek and the Dominos. Brownie foi a primeira Strato de Clapton; que o acompanhou em seu primeiro álbum solo de 1970: Dominos: Layla and Other Assorted Love Songs.
Rory Gallagher
Gallagher morreu precocemente em 1995 aos 47 anos, mas o virtuoso irlandês deixou um legado duradouro para gerações de guitarristas.
Um prodígio autodidata, Gallagher estará para sempre associado à sua Strato de 1961 extremamente surrada, à sua energia desenfreada e à sua agressividade no palco. Seu estilo estava enraizado no folk, rock e blues. Na verdade, Eric Clapton certa vez creditou Gallagher por “me trazer de volta ao blues”.
Os solos de Gallagher eram tão improvisados quanto os dos saxofonistas de jazz que ele tanto amava. E ao ver Gallagher no palco, não fica dúvida que sua Strato havia se tornado parte de seu próprio ser.
David Gilmour
“Atmosférico” é uma palavra normalmente usada para descrever o estilo de Gilmour, e com razão. Ele ganhou destaque mundial como vocalista e guitarrista do Pink Floyd, embora tenha também forjado uma carreira solo aclamada e popular.
Influenciado pelo blues, Gilmour usa uma grande quantidade de sustain em suas composições, criando a tela de pintura perfeita para bends e transições sonoras inigualáveis. Através de sua famosa “Black Strat”, Gilmour criou alguns dos mais famosos solos de guitarra da música, incluindo os clássicos do Pink Floyd como “Comfortably Numb” e “Time”.
George Harrison
Harrison usou muitos modelos de guitarra ao longo de sua carreira, mas o Beatle muitas vezes descreveu sua Stratocaster “Rocky” como um dos seus favoritos. Harrison e John Lennon tiveram Stratos Sonic Blue em 1965. Harrison usou a sua nos álbuns Help! (1965), Rubber Soul (1965) e Revolver (1966) dos Beatles antes pintá-la em 1967 a transformando com uma pintura psicodélica multicolorida. A partir de então a guitarra pode ser ouvida em Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), Magical Mystery Tour (1968) e outros álbuns dos Beatles e solo de Harrison, época na qual adquiriu o apelido de “Rocky”.
Harrison foi um grande inovador no seu estilo de tocar também. Ele foi influenciado pelo blues, country e música clássica indiana, todos eles combinados em uma voz melódica singular.
Jimi Hendrix
Acredita-se amplamente que Hendrix é um dos melhores guitarristas de todos os tempos – se não o melhor. A Rolling Stone colocou o guitar hero de Seattle no topo da sua lista dos 100 maiores guitarristas, apenas adicionando os elogios de Hendrix.
Ao ouvir Hendrix, era difícil discernir onde o corpo dele terminava e a guitarra começava. Os dois apenas fluíram juntos. Hendrix transbordava emoção através de sua Strato, com timbres e acordes únicos e muito feedback.
As Stratos mais famosas de Hendrix incluem as que ele tocou em Monterey em 1967 e Woodstock em 1969, esta última é a que ele usou em sua performance histórica de “The Star-Spangled Banner”.
O fato do canhoto Hendrix apenas virar suas guitarras para destro, influenciou muitos guitarristas a imitar o experimento. Seu blues quente e sexy e seus licks de rock também têm sido frequentemente imitados ao longo dos anos, mas eles raramente foram igualados.
Buddy Holly poderia ter sido um dos primeiros roqueiros a tocar com Stratos para audiências em massa, mas Hendrix realmente levou o modelo ao próximo nível dentro do gênero.
Buddy Holly
Talvez o músico mais influente da Stratocaster no rock and roll dos anos 50, Holly tem suas origens no country, mas se apaixonou pelo rockabilly e pelo R & B. Holly tinha um estilo de tocar acordes com um padrão rítmico que pode ser ouvido no rock até hoje, de Beatles a Bruce Springsteen e Albert Hammond Jr. do Strokes.
E deve ser mencionado que Holly foi um dos primeiros artistas a trazer a Fender Stratocaster para o mainstream, fazendo a sua Stratocaster Sunburst ser tão icônica quanto seus óculos de aro preto. Infelizmente, Holly morreu aos 22 anos em 3 de fevereiro de 1959, quando um avião fretado que o transportava, além de Ritchie Valens e J.P. “Big Bopper” Richardson cair durante um vôo entre as datas da turnê.
Eric Johnson
Eric Johnson começou a tocar ainda jovem, influenciado não só pela ferocidade do rock de Jimi Hendrix e pela alma blues de Albert King, mas também por diversos artistas como Chet Atkins e os Beatles.
Já na adolescência, Eric Johnson tinha forjado um estilo próprio. Com um “feeling” incomum, um ouvido incrivelmente sensível e uma relação simbiótica com sua guitarra, ele produzia um som líquido, articulado e incomparável, instantaneamente reconhecível como “EJ’s”.
Ao longo dos anos, grande parte dessa equação tem sido uma Fender Stratocaster tradicional, que Johnson usaria em sucessos como “Cliffs of Dover” e “Manhattan”. Em 2018, a Fender também lançou um novo modelo assinatura, a Thinline Stratocaster, que o ajudou na busca do timbre perfeito.
Mark Knopfler
Como diz a história, a primeira guitarra que Knopfler desejava era uma Fiesta Red Stratocaster como a que Hank Marvin usava. Infelizmente, Knopfler teve que esperar mais alguns anos até finalmente adquirir uma Strato, mas assim que o fez, surgiu com um estilo que é distintamente seu.
Toque qualquer música do Dire Straits – ou qualquer material solo de Knopfler – e não há dúvida de que seu fingerpicking lírico está fluindo dos alto-falantes. Usando Stratos nos primeiros álbuns de sua banda – Dire Straits (1978) e Communiqué (1979) – o “Sultan of Swing” de Glasgow, na Escócia, ostenta um dos melhores timbres limpos da música.
Yngwie Malmsteen
Um dos guitarristas mais tecnicamente talentosos de todos os tempos, Malmsteen trouxe uma vibe gótica clássica para a Stratocaster, com notas de Paganini, Beethoven e Bach em seus solos explosivos. Malmsteen, nascido na Suécia, elevou o nível dos guitarristas aspirantes ao lançar seu álbum de estreia Rising Force de 1984.
O que Malmsteen faz em seu braço escalopado parece impossível, já que seu fraseado é altamente exigente e apresenta uma técnica brilhante. Ainda assim, isso não impediu que gerações de shreders novatos tentassem imitá-lo.
Hank Marvin
Quando era quase impossível conseguir uma Stratocaster no Reino Unido por causa de restrições comerciais, os músicos britânicos devem uma dívida de gratidão a Marvin. Ou talvez mais precisamente para o cantor da banda The Shadows, Cliff Richard, já que foi ele quem importou uma Strato para Marvin dos Estados Unidos em 1959, supostamente a primeira no Reino Unido.
Aquele instrumento rosado – Marvin disse que ele achava que era uma pintura Fiesta Red “com defeito” – e a soma do hardware dourado fez dela a marca registrada do guitarrista, assim como sua preferência para usar um som limpo com bastante eco e vibrato que dá a ele um efeito de outro mundo.
Artistas de todo o mundo consideram Marvin uma grande inspiração, desde David Gilmour, do Pink Floyd, a Brian May, do Queen, a Mark Knopfler, e muitos outros.
Nile Rodgers
O estilo de Nile Rodgers é inconfundível, com uma elegância e simplicidade que se tornou o som da discoteca, hip-hop, funk e R & B ao longo dos anos 70 e 80. E com a EDM dominando o mundo nos últimos anos, a produção e as habilidades musicais de Rodgers fizeram dele um dos colaboradores mais cobiçados do ramo.
Dizem que mais de US$ 2 bilhões em música foram criados com a ajuda da guitarra nomeada por Rodgers como “Hitmaker”. Com a ajuda de sua Strato hard-tail de ’59/’60 de pickguard cromado, Rodgers criou incontáveis sucessos com sua banda, Chic, e com artistas como Madonna, David Bowie, Sister Sledge, Daft Punk e muitos outros.
Robin Trower
Após o sucesso inicial com a Procol Harum na década de 1960, Trower embarcou em uma carreira solo na década de 1970, que rapidamente o colocou com o status de headliner em grandes shows, em grande parte pela sua mistura eletrizante de blues-rock e psicodelia.
Influenciado por grandes nomes como B.B. King, Albert King e Jimi Hendrix, Trower se dedica a explorar toda a dinâmica da sua Strato através de seu timbre cheio de overdrive. Ele também faz uso expressivo de pedais phase-shifter e wah-wah.
O “rugido” de Trower ainda pode ser presenciado ao vivo, enquanto ele continua a turnê ao redor do mundo.
Stevie Ray Vaughan
Metade força bruta e metade delicadeza, Steve Ray Vaughan explodiu em 1983, quando ele contribuiu com seu talento no álbum Let’s Dance de David Bowie. Mais tarde naquele ano, Vaughan lançou o álbum de estreia do seu próprio grupo, Texas Flood, contribuindo oficialmente para o renascimento dos blues da década de 1980.
Não só a voz de Vaughan carregava força e emoção, mas sua habilidade ao solar com um ritmo pulsante era de encher os olhos e ouvidos. Sua Stratocaster favorita, apelidada de “Number One”, era uma guitarra híbrida que ostentava um corpo detonado de uma Strato 1963 e um braço em rosewood de um modelo de 1962. Ela também tinha uma ponte com alavanca para canhoto em homenagem a Jimi Hendrix e adesivos colados no escudo formando suas iniciais.
Ainda um dos guitarristas mais influentes do mundo, Vaughan morreu precocemente aos 35 anos, vítima de um acidente de helicóptero em agosto de 1990.
Vamos falar da história por trás das logomarcas mais conhecidas da Fender ao longo dos anos.
Ao comprar um instrumento Fender hoje em dia – particularmente as reedições dos instrumentos Fender mais antigos, você verá diferentes logotipos nos headstocks que foram usados em épocas distintas.
E quando você estiver pesquisando sua compra ou apenas lendo sobre a história da Fender, você encontrará diversos termos descrevendo os logotipos que apareceram nos headstocks de vários instrumentos Fender ao longo das décadas. Dois dos termos mais comuns são: “logotipo Spaghetti (espaguete)” e “logotipo Transition (de transição)”. Qual é a diferença? Qual logotipo é de que época?
Dos dois, o logotipo Spaghetti (espaguete) veio primeiro. Este tipo foi usado durante toda a década de 1950 e é assim chamado por seu estilo fino e estilizado com curvas, e aparece em letras prateadas com um fino contorno preto. As guitarras Esquire, Broadcaster, Telecaster, Stratocaster e os baixos Precision Bass e Jazzmaster da década de 1950 até meados da década de 1960 usaram esse estilo de logotipo (além de vários outros instrumentos da Fender daquele período). Não foi chamado logo de espaguete na época; foram os colecionadores e entusiastas que o “batizaram” desta forma.
Com o fim da década de 1950, o publicitário e o designer gráfico Robert Perine, responsável pela famosa campanha publicitária “You won’t part with yours either” (Você não vai se separar da sua também), projetou um novo logotipo para o catálogo da Fender de 1958 a 1959, depois de perceber que a Fender havia usado anteriormente mais de uma dúzia de logos e marcas registradas até então. Ele achava que seria mais adequado a empresa adotar um único design.
Com a contribuição do próprio Leo Fender, Perine aperfeiçoou um novo logotipo da Fender, mais ousado e mais grosso, e com letras douradas e um fino contorno preto. Foi uma marca registrada em 1960, e sua primeira aparição em um headstock veio naquele ano com a estreia do Jazz Bass. Cada novo modelo Fender lançado depois disso teria o novo logotipo, e em 1965 a maioria dos instrumentos e amplificadores da Fender usavam o novo logotipo.
O logotipo dourado e preto de Perine tornou-se mais conhecido entre colecionadores e entusiastas como o logotipo Transition (de transição) porque abrangia o período entre os logotipos Spaghetti da década de 1950 e o logo da Fender introduzido em 1967 durante a era CBS, que tinha letras pretas com um contorno dourado (além disso, quase todos os nomes de modelos apareceram nos headstocks em letras maiúsculas a partir de 1967).
Mais informações sobre toda linha de produtos disponíveis ao nosso mercado, visite o site oficial da Fender® no Brasil.
